La formula che esprime l’essenza e il senso dell’arte è fondamentalmente semplice: elevazione della coscienza intuitiva da uno stadio oscuro e confuso alla sua forma di chiarezza e di determinazione concreta. Tutto dipende da questa formula: si tratta, da una parte, di rivolgersi a chiarire e determinare l’incompiutezza precedente della coscienza intuitiva; dall’altra di spingere lo sguardo fino alle estreme conseguenze dell’attività di un definirsi visivo di essa. Inizialmente ci troviamo a che fare con una parvenza intuitiva che, in un secondo tempo, viene messa in luce e mentalmente definita. Solo a quel punto un artista preparato dotato di tecnica controllata può iniziare materialmente il lavoro: “Le arti – dice Moman – sono dei pregevoli mezzi espressivi che permettono alle persone dotate di talenti particolari di potersi esprimere in modo speciale. Le arti visive, nella fattispecie, mettono in condizione un pittore o uno sculture di trasmettere pensieri e stati d’animo in tempo reale attraverso codici personali e, potenzialmente, sempre differenti”.

Anthony Moman è uno di quegli artisti che considera il mezzo espressivo un pregevole mezzo comunicativo e, proprio per questo, cerca di utilizzarlo per esprimere concetti ed emozioni sempre differenti. Il pittore inglese crea una sorta di racconto, più ideale che reale, dove ogni dipinto potrebbe corrispondere ad una tessera auto-referenziale che, combinata agli altri pezzi, assume un valore universale. Moman crea alcuni mondi possibili, ma improbabili dove alcuni personaggi si muovono come se fossero attori senza copione di un teatro dell’esistenza. Figure con abiti ecclesiastici sono fatte muovere, attraverso un sottile uso dell’ironia, in contesti atipici e non convenzionali che fanno riflettere lo spettatore: “l’ironia perfeziona e completa il mio linguaggio espressivo perché aiuta a riflettere e fa pensare. Con l’ironia posso esprimere messaggi ed emozioni con la certezza di avere un riscontro assolutamente soggettivo dalle persone che partecipano i miei lavori. L’ironia permette, attraverso l’utilizzo di allegorie, metafore e composizioni al limite del grottesco, grande libertà espressiva e un importante coinvolgimento emotivo e cerebrale”.

Il senso dell’umorismo è un qualcosa di innato in un pittore: è possibile affinare la tecnica dell’espressione artistica, educare il gusto estetico, migliorare il proprio sistema sensoriale, ma di certo non si può migliorare l’acutezza percettiva, la sagacia di spirito, la fantasia e l’estro che determinano la creazione di un qualcosa di veramente speciale. Per Moman, l’ironia corrisponde a una particolare attività della fantasia che, nutrita di ingegno e sensibilità, riesce a mettere a fuoco un mondo immaginifico che non può cogliere un aspetto del reale senza esasperarne qualche elemento o senza rivelarne il suo aspetto contrario. L’artista inglese palesa una sorta di ironia esistenziale che rivela una precisa volontà di prendere le distanze dal consueto e dal convenzionale per concepire un confine tra sé e il mondo. Ne scaturiscono lavori dove, per mezzo di una grande libertà espressiva, improbabili pretuncoli inforcano fiammanti Harley-Davidson, oppure devono difendersi dalle tentazioni demoniache e dal peccato che si manifesta sottoforma di mostruosità e, soprattutto, riflettono, meditano e si trasformano in supereroi della nostra contemporaneità: “L’artista, se libero, responsabile e onesto intellettualmente, dipinge per se stesso pur anelando a una comunicazione per più persone. Potremmo supporre che la parte più vera delle opere parta da un’esigenza personale e profonda, mentre la parte strutturale potrebbe anche essere pensata per predisporre il pubblico alla fruizione. Personalmente, visualizzo il dipinto nella mia mente prima ancora di disegnarlo sopra un palinsesto. Al momento dell’esecuzione, però, ciò che avevo ben evidente nella mia testa viene superato o perfezionato dall’atto esecutivo. In certi casi vorrei che qualcuno mi togliesse l’opera dalle mani prima che io la consideri finita e in altri provo continuamente a perfezionarla secondo i miei canoni”. Anche nella Grecia classica, i filosofi si erano posti la questione del senso dell’umorismo: per Eschilo, chi non aveva un buon rapporto con l’ironia era un lugubre e un funesto che mascherava le proprie insicurezze in un comportamento calcolato, responsabile e riflessivo. Al contrario, Platone – che si era occupato dell’argomento in opere come “Repubblica”, “Leggi” e “Filebo” – affermava che non era conveniente amare il riso perché provocava lo sconvolgimento nell’animo dell’uomo. Aristotele riprenderà questo concetto e, pur suggerendo di non abusare dell’ironia, sottolineerà come, attraverso il riso, l’individuo esca migliorato, sollevato e predisposto al bene. Qualche secolo più tardi a Roma, Cicerone parlerà del valore moderatore del senso dell’umorismo e la sua tendenza a portare cordialità e spirito critico.

Anthony Moman struttura metafore di vita per mezzo di scherzose allusioni che provengono da un micro-cosmo interiore – intellettivo, cerebrale e culturale – in grado di fornire spunti di riflessione, idee, suggestioni emotive, per andare oltre la superficie di tutte le cose. Un prete urla il proprio furore agonistico militando nella squadra di Dio, un altro dorme su un materasso di dollari sognando la buona azione che potrà fare con quel denaro; un altro ancora conduce, in vespa, una sorella a pregare in un vecchio e suggestivo monastero in collina. Oppure no? Il senso dell’umorismo, esaltato da racconti pittorici e da composizioni dove l’utilizzo della luce, del segno e del colore non è certo lasciato al caso, permette all’artista di penetrare la tangibilità delle cose e degli uomini fino alla loro più intima e inconfessabile essenza, mostrandone i limiti, confini e aspetti inediti: “Il rapporto con il segno e con il colore è piuttosto naturale e, almeno in parte, istintivo. Ho sempre amato disegnare e considero il segno una parte fondamentale in un dipinto. Il colore, invece, occupa un ruolo particolare nella mia vita; infatti alcune cromie sono legate ai miei ricordi, alle memorie del mio passato. Altre sono assolutamente ideali e fantastiche, seppur sempre pertinenti ai soggetti e alla suggestione atmosferica nella quale desidero ambientare i miei personaggi. Altre ancora sono legate alla realtà. Il mio rapporto con la luce è fondamentale in quanto mi ritengo un artista delle ombre: amo i colori cupi dell’oscurità e i contrasti tra chiaro e scuro. Le ombre corrispondono a un elemento attivo e portante del mio lavoro. In certi casi, la parte non illuminata può trasformarsi anche in un elemento simbolico”.

Moman, da acuto osservatore e da testimone del suo tempo, riesce a immergere lo spettatore in una dimensione speciale che lo fa riflettere e, al tempo stesso, interagire emotivamente con l’opera fino a poterne dare una lettura anche soggettiva. Ne nascono immagini che vivono in una meta-realtà dove l’inequivocabile si trasforma in un sorprendente mistero da indagare perché lontano dai parametri che condizionano il nostro concetto di verità e di realtà. Oh my God!

Maurizio Vanni

The formula that expresses the essence and the meaning of art is fundamentally simple: elevation of the intuitive consciousness from a starting stage made of darkness and confusion to a clear and concrete determination. Everything depends on this formula: it deals, on the one hand, with the clarification and determination of the previous incompleteness of the intuitive consciousness and, on the other hand, with the extreme consequences of a defined vision of the artistic activity. Initially we are dealing with an intuitive semblance that, at a later time, is mentally highlighted and defined. Only at that point a technically prepared artist may begin to work: “Arts – Moman says – are valuable means of expression that allow people with special talents to express themselves in a distinctive way. Visual art, in this case, enables a painter or a sculptor to convey thoughts and moods in real time through his personal and, potentially, always unique methods.”

Anthony Moman is one of those artists who sees art as a valuable means of communication and, for this reason, he tries to use it to express always different ideas and emotions. The English painter creates a sort of story, more ideal than real, where each painting may correspond to a self-referential domino, which, combined with other pieces, has a universal value. Moman creates some possible, improbable, worlds, where some characters move as if they were actors without a script in the theatre of existence. Figures wearing clergy robes are moved in atypical and unconventional contexts, through a subtle use of irony, which make the viewers think. “Irony can improve my expressive language because it helps me to reflect and think. With irony I can express emotions and messages with the certainty of having a totally subjective feedback from people who’ll see my work. With irony I can afford, through the use of allegories, metaphors and grotesque compositions, some more expressive freedom and an important emotional and cerebral involvement.”

The sense of humour is something innate in a painter: you can refine the technique of artistic expression, educate the taste, improve your sensory system, but certainly you cannot improve the sharpness of perception, sagacity of spirit, imagination and aptitude, which may lead to the creation of something truly special. According to Moman, irony corresponds to a particular fantasy activity, nourished by intellect and sensitivity, able to focus on an imaginary world, that can not catch any aspect of the reality without exasperating some element or revealing its opposite appearance . The English artist expresses a kind of existential irony, that reveals a clear desire to distance himself from usual conventions, to conceive a boundary between self and world. It results in works where, through a great freedom of expression, improbable priestlings get on flaming Harley-Davidsons, or they must defend themselves from demonic temptation and from the sin which manifests as a monster; more importantly, they reflect, meditate and transform themselves into superheroes of our contemporary world: “The artist, if free, responsible and intellectually honest, paints for himself while yearning to communicate with people. We may assume that the most real part of the works starts from a personal and profound need, while the structural part may also be designed for public enjoyment. Personally, I visualize the painting in my mind before drawing it roughly. At the moment of execution, however, what I had very clearly in my head becomes outdated or perfected by the act of execution.

In some cases I wish someone would take the work away from my hands before the moment I consider it finished and in other cases I continuously try to perfect it according to my rules.” Even in classical Greece, the philosophers had addressed the issue of sense of humour: according to Aeschylus, the person who had not a good relationship with irony was gloomy and sad, masking his insecurities in calculated, responsible and thoughtful behaviour. Instead, Plato – who dealt with the subject in such works as “Republic”, “Laws” and “Philebus” – said that it was not convenient to love the laughter because of the disruption it caused to the man’s soul. Aristotle resumed this concept and, while suggesting not to abuse of irony, highlighted how, through the laughter, the individual improves, feeling relieved and ready to do well. A few centuries later in Rome, Cicero spoke about the moderating value of humour and its tendency to bring out friendliness and critical skills.

Anthony Moman structures metaphors of life through playful allusions which come from an inner intellectual, cerebral, and cultural micro-cosmos that provides insights, ideas, emotional suggestions, beyond the surface of everything. A priest screams his competitive spirit for playing in God’s team, another one sleeps on a mattress made of dollars, dreaming of the good deeds he could make by all that money; one more leads, by vespa, a nun to pray in an old and evocative monastery on the hills. Or not? The sense of humour, brought out by stories and pictorial compositions where the use of light, colour and sign, is not left to chance, allows the artist to penetrate the tangibility of things and men, up to their most intimate and unspeakable entity, showing all their limits, boundaries and uncommon aspects. “The relationship with contrast and color is quite natural and, at least in part, instinctive. I have always loved to draw and I consider contrast a key part in a painting. The color, instead, occupies a special role in my life, because some colors are linked to my memories, recollection of my past. Others are absolutely ideal and fantastic, but always still relevant to the subjects and the atmospheric suggestion I wish to set my characters in. Still others are linked to reality. My relationship with the light is crucial as I believe I am an artist of the shadows: I love the bleak colors of darkness and the contrast between light and dark. The shadows correspond to an active and bearer feature of my work. In some cases, the unlit part can also become a symbolic element”.

Moman, as an acute observer and a witness of his time, manages to immerse the viewer in a special dimension that makes him think and at the same time, interact emotionally with the work, getting able to give a subjective interpretation, too. This process gives rise to images living in a meta-reality where the unequivocal turns into a surprising mystery to investigate, far from the parameters that usually affect our concept of truth and reality. Oh my God!

Maurizio Vanni